„Verflochtene“ Künstler verweben Schönheit, Erinnerung und Geschichte in Textil- und Faserkunst

Diese Geschichte wurde ursprünglich von ArtsATL veröffentlicht.

„Entwined: A Group Exhibition of Textile and Fiber Art“ bis zum 4. Juni im Marietta Cobb Museum of Art ist die neueste Präsentation unkonventioneller, ästhetisch überzeugender Perspektiven auf traditionelle Genres, die Museumskuratorin Madeline Beck präsentiert – die sich offenbar zu ihrem Markenzeichen entwickelt Stil. Wie in früheren Ausstellungen verwendet sie hauptsächlich Werke von Künstlern aus der Metropolregion, und wie immer hat Beck großen Wert auf Vielfalt aller Art gelegt, auch auf die Ästhetik.

Obwohl die traditionellen Methoden und Materialien der Textil- und Faserkunst durchgehend präsent sind, werden sie mit einer Vielzahl untraditioneller Materialien kombiniert oder bestehen fast vollständig aus diesen, wie im Fall von „Sigh“, der korbartigen Skulptur von Sally C. Garner aus dem Jahr 2021 aus medizinischen Atemschläuchen gewebt.

Garner nutzt das Weben auf vielfältige und unkonventionelle Weise. In „Altered Timelines No. 4, Jade“ (2022) bindet sie Zahnstocher aus Bambus zu einem flexiblen Textil zusammen, basierend auf der Idee, die Speichen eines Korbs zu lösen. „Droplet in Time“ (2022) verwendet gewebte Streifen aus Cyanotypie-Drucken.

Ali O'Leary integriert Fotografie auch in handwerkliche Medien, indem sie Baumwollstickereien auf gesteppte Satinfotografien legt. Das Ergebnis dieser Methode sind wunderschöne, aber dennoch theoriegeladene Kunstwerke. Ein Beispiel ist „Presence“ (2021), in dem das Wort im Titel unter einem Bild von Meer und Himmel erscheint und verschwindet, ein Linseneffekt, der vom Blickwinkel abhängt.

Bildnachweis: Mit freundlicher Genehmigung von Susan Lenz

Bei diesen unerwarteten Prozessen handelt es sich um ziemlich einfache Subversionen herkömmlicher Textilien, wenn man sie mit anderen Beiträgen vergleicht, wie zum Beispiel Susan Lenz‘ handgenähten Fragmenten von Vintage-Quilts, die alle Arten von ebenso antiken Alltagsgegenständen in Mandalas mit konzentrischen Kreisen befestigt. Spielzeugtaxis, Gewürzstreuerdeckel und 45-U/min-Schallplattenadapter sind nur ein kleiner Teil der Vielfalt der Objekte, die in diese Untersuchungen zu Geschichte und Erinnerung einbezogen werden.

In ihren verblüffenden Kombinationen aus Textur und Farbe in Wandstücken verwendet Gabrielle Torres aus Jeans gerissene Stoffe, Glasflaschen und Kunsthaar, fügt aber lebende Pflanzen wie englischen Efeu hinzu; Es bleibt während der gesamten Ausstellung am Leben, da Teile verdorren oder herabhängen.

Bildnachweis: Mit freundlicher Genehmigung von Gabrielle Torres

Wie bei allen anderen Kunstwerken in dieser Ausstellung ist die Wirkung sowohl ästhetisch ansprechend als auch auf konzeptioneller und praktischer Ebene faszinierend – was steckt hinter solchen unerwarteten Transformationen traditioneller Prozesse? Die Neugier auf diese Frage wird wahrscheinlich von der Ausstellung für das Publikum mitgenommen, das mit zeitgenössischen Textilkunstpraktiken nicht vertraut ist.

Bildnachweis: Mit freundlicher Genehmigung von Sonya Yong James

Im verwirrenden Kontext dieser Ausstellung kann selbst die relative Behaglichkeit von Rose M. Barrons Farbsublimationsdrucken auf Seidenbannern, die Frauen in fließenden Gewändern zeigen, die in fließendes Wasser getaucht sind, beunruhigend wirken. Das Gleiche gilt umso mehr für Sonya Yong James‘ zunächst vertraut wirkendes, wandfüllendes „Spirit Is a Bone“ (2020), das handgesponnene Vintage-Bettlaken und Kojotenzähne, Krähenknochen und Hundeasche zu einem verwebt fesselnde Meditation über Geschichte und Sterblichkeit.

Trauma taucht als durchgängiges Unterthema auf, oft auf unerwartete Weise, wie in Nicole Benners aus Kupfergarn gehäkelten Ganzkörperanzügen, ein buchstäbliches Unbehagen, das ein Symbol für ein Leben in chronischen körperlichen Schmerzen ist.

Einige von Jess Selfs Figurenskulpturen aus Nadelfilzwolle sind in Positionen positioniert, die die Reaktion auf vergangene Traumata widerspiegeln, aber „Wholeness“ (2021) verfügt über eine Vielzahl cremefarbener Textilien, die eine Drahtmodellversion ihres Körpers mit einem Flor bedecken aus lockerem Stoff zu seinen Füßen und symbolisiert den Prozess der Erlangung der Ganzheit, den Carl Jung als die Vereinigung von Bewusstem und Unbewusstem ansah.

Hannah Ehrlich nähert sich Bewusstsein und innerer Dunkelheit auf eine ganz andere Weise. Ihre mittlerweile bekannten Wandbehänge setzen ihre Erkundung von Chaos und Ordnung im Gefühlsleben fort, beispielsweise in „Bluragees from know you, I've Grown to Know They are beautiful“ von 2023.

Alle Ausstellungsthemen wie Geschichte, persönliche Erinnerung, Trauma und Transformation finden ihren Platz in den Werken afroamerikanischer Künstler, doch ihre persönliche Ästhetik bleibt das oberste Anliegen.

Die Kombination aus gewebten/geknüpften Netzen, Haargeflecht, Haarperlen, Wimpelfahnen und etwa einem Dutzend anderer Materialien in Zipporah Camille Thompsons „Blue Magic“ (2022) evoziert eher, als dass sie im wahrsten Sinne des Wortes illustriert.

Das Gleiche, wenn auch auf völlig andere Weise, gilt für die umfunktionierten Holzkompositionen von Ato Ribeiro in einem charakteristischen Stil, an den sich einige vielleicht aus der Blockbuster-Gruppenausstellung „The Alchemists“ der Johnson Lowe Gallery erinnern.

Die Verwendung von rotem Ton und holländischem Wachstuch durch Jamele Wright Sr. ist ebenfalls aus jüngsten Ausstellungen bekannt, wird jedoch in der Serie „Familienporträts“ subtil erweitert.

Bildnachweis: Mit freundlicher Genehmigung von Richard-Jonathan Nelson

Ihre vielfältigen metaphorischen Ansätze stehen in deutlichem Kontrast zu den traditionellen Medien und den radikalen Themen von Richard-Jonathan Nelsons digital manipulierter afrofuturistischer Bildsprache, einem Ansatz zur queeren schwarzen Kultur durch Jacquard-Stoffe. Der Titel einer Arbeit aus dem Jahr 2023 bringt es auf den Punkt: „Gehen Sie außer Reichweite zum Ungewöhnlichen.“

Neben seinen grenzüberschreitenden kulturellen Fragen bleibt „Entwined“ der Schönheit gewidmet, wenn auch manchmal einer schwierigen Schönheit.

Die mit verschiedenen Fasern und Drahtverzierungen gewebten Steinzeugrahmen von Kathryn Somers sind wahre Meisterwerke, bei denen Textur und Farbe in ihren innovativen Kombinationen für sich allein ausreichen.

Im fast entgegengesetzten Sinne werden Kate Burkes quadratische Blumen- und Textstickereien aus an Dübeln aufgehängten Fäden zunächst als Sinneserlebnisse wahrgenommen. Burkes eloquent geäußerte Bedenken hinsichtlich der Unzulänglichkeit der Technologie, Gefühle von Trauer und Verlust einzudämmen und zu kommunizieren, sind dem unmittelbaren visuellen Vergnügen der Objekte selbst untergeordnet.

Obwohl „Entwined“ oft so in Ideen versunken ist, dass ein Wandtext unerlässlich ist, ist es eine Freude anzusehen und eine intellektuelle Herausforderung zum Nachdenken.

Rezensionen und Essays von Dr. Jerry Cullum wurden in der Zeitschrift Art Papers, Raw Vision, Art in America, ARTnews, International Journal of African-American Art und vielen anderen populären und wissenschaftlichen Fachzeitschriften veröffentlicht. Im Jahr 2020 wurde er für seinen herausragenden Beitrag zum Kunstjournalismus mit dem Rabkin-Preis ausgezeichnet.

Bildnachweis: ArtsATL

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ArtsATL (www.artsatl.org) ist eine gemeinnützige Organisation, die eine entscheidende Rolle bei der Aufklärung und Information des Publikums über die Kunst und Kultur der Metropolregion Atlanta spielt. ArtsATL wurde 2009 gegründet und hat sich zum Ziel gesetzt, zum Aufbau einer nachhaltigen Kunstgemeinschaft beizutragen, die zur wirtschaftlichen und kulturellen Gesundheit der Stadt beiträgt.

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Bildnachweis: Stephen B. Morton für The Atlanta Journal Constitution

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