Klang als künstlerische Inspiration

Das Fabric Workshop and Museum präsentiert „Sonic Presence (or Absence): Sound in Contemporary Art“, eine Ausstellung, die sich mit Klang beschäftigt.

Das Fabric Workshop and Museum (FWM) hat gerade Sonic Presence (or Absence): Sound in Contemporary Art angekündigt, eine Ausstellung mit 22 Künstlern, die sich mit Klang beschäftigen. Einige Kunstwerke beinhalten echten Klang, während andere den Betrachter dazu ermutigen, sich bei der Interpretation der Werke auf seine eigenen Erfahrungen und Erinnerungen an Klang zu verlassen. Die von Alec Unkovic kuratierte Ausstellung ist vom 23. Juni 2023 bis 7. Januar 2024 zu sehen.

Die Künstler, die Teil der Ausstellung sind: Terry Adkins, Janine Antoni, Moe Brooker, Nick Cave, Lenka Clayton, Kevin Cooley, Peter Edwards, Guillermo Galindo, Ann Hamilton, Christine Sun Kim, Phillip Andrew Lewis, Glenn Ligon, Thomas Mader , Jason Moran, Robert Morris, Stephen Petronio, Raúl Romero, Yinka Shonibare, Patrick Siler, Kiki Smith, Lenore Tawney und Mika Tajima.

Im Laufe der FWM-Geschichte haben Artists-in-Residence den Klang als Schwerpunkt oder als konzeptionellen Bestandteil ihrer Residenzen genutzt. In diesen Projekten wurde oft untersucht, wie man eine direkte Übersetzung von Klang anbieten, eine indirekte Darstellung seiner Energie und kulturellen Formen einfangen oder eine hörbare Reaktion beim Publikum hervorrufen kann. Wie der Titel der Ausstellung vermuten lässt, verdeutlichen die präsentierten Kunstwerke die Idee einer „klanglichen Präsenz“, einer spürbaren Verbindung zwischen dem Visuellen und dem Akustischen. Mit Werken aus der Sammlung des Museums sowie einer Auswahl ausgeliehener Werke lädt Sonic Presence Besucher dazu ein, die resonanten Themen des Klangs in der bildenden Kunst zu erkunden, sei es impliziert, imaginiert, abwesend oder realisiert.

Im Rahmen von Residenzen, bei denen der Schwerpunkt häufig auf der Materialerkundung liegt, haben sich einige Künstler am FWM der visuellen Übersetzung des Klangerlebnisses, der Performance oder ihres kulturellen Nachhalls zugewandt.

Für Yinka Shonibare, der seine afrofuturistische Skulptur Space Walk (2002) schuf, die aus zwei lebensgroßen Astronautenfiguren besteht, die in der Luft in der Galerie schweben und die Schwerelosigkeit des lautlosen Raums suggerieren, musste er Philadelphias South Street-Viertel nach Schallplatten absuchen. Die visuelle Ikonografie der Philly Sound-Bewegung der 70er Jahre und die damals aufstrebende lokale Künstlerin Jill Scott dienten als Inspiration für vier individuelle Batik-Textildesigns, die den Figuren die kulturelle Energie schwarzer Musiker verleihen. Die Idee, sich mit Klang zu kleiden, wird mit Nick Caves Soundsuit weiter erforscht, dessen lebendige Rüstung aus Stofftieren über einem Paar farbenfroher, eng anliegender Beine ragt, und mit Lenore Tawneys Cloud Garment, in dem Noten im Siebdruckverfahren und die Hervorrufung atmosphärischer Stimmungen zum Ausdruck kommen Ruhe verschmelzen zu einem schützenden, ruhigen Kleidungsstück.

In seinem Seidendruck „Listen with your eyes ttgg“ aus dem Jahr 2010 lädt der verstorbene Philadelphia-Künstler Moe Brooker, Sohn eines Predigers, den Betrachter ein, die Klänge seiner Kindheit in der Kirche durch seine lebendigen Farben und abstrahierten Formen heraufzubeschwören, während Patrick Silers 1987 im Siebdruckverfahren „Blaster“ entstand fängt eine Szene ein, in der Zuhörer von einer klassischen Boombox fasziniert sind. Umgekehrt reagiert die interaktive Skulptur Spectre von Peter Edwards, die aus Gruppen beleuchteter Kugeln besteht, die von der Decke herabsteigen, sichtbar auf die Geräusche der Besucher.

Instrumente sind sowohl als Material als auch als Form ein wiederkehrendes Thema in Sonic Presence. Die Ausstellung umfasst zwei Skulpturen aus Terry Adkins‘ Aviarium-Serie, dem letzten Werk des verstorbenen Künstlers aus Philadelphia, die Wellenvektoren der Vogellaute in einen monumentalen Maßstab übersetzen und dabei Becken und Aluminiumstangen verwenden, um Gesang in rein skulpturaler Form einzufangen. Neuere Arbeiten von Jason Moran fangen die Spuren einer Aufführung anschaulich ein, wobei der Künstler die Überreste des Musizierens erforscht, indem er Papier auf die Klaviertasten legt und gesättigte Pigmente verwendet.

Der Ort wird in Sonic Border zur Inspiration für den mexikanischen Komponisten und Künstler Guillermo Galindo, der Instrumente aus weggeworfenen Gegenständen herstellte, die Spuren der Migration trugen und die er auf seinen Reisen entlang der mexikanisch-amerikanischen Grenze sammelte. Gepaart mit Aufnahmen von Galindos Originalmusik spiegeln diese Artefakte die Komplexität und die gelebten Erfahrungen der Einwanderung wider.

Sein Debüt gibt „The Sound of the Sea“, ein neues Gemeinschaftswerk der ehemaligen Artist-in-Residence Lenka Clayton mit Phillip Andrew Lewis, das den Prozess von Foley-Künstlern erforscht, die Requisiten nutzen, um alltägliche Soundeffekte in Filmen, Radio oder Fernsehen nachzubilden ; Für diese Arbeit haben Clayton und Lewis unerwartete Objekte gesammelt und rekontextualisiert, die zur Erzeugung des Meeresrauschens verwendet wurden.

Glenn Ligons „Skin Tight“, bestehend aus acht Boxsäcken und grafischen Tapeten, reflektiert die Vorstellung von schwarzer Männlichkeit und dem schwarzen Körper als Ort und Objekt. Geschmückt mit Bildern von Rappern wie Ice Cube und Texten von Muhammad Ali konfrontiert die Installation den Besucher mit den Auswirkungen und Implikationen der Aktivierung eines Boxsacks.

Sonic Presence erforscht auch die konzeptionelle Vorstellung des Klangs, den ein Kunstwerk selbst erschafft. Während ihres FWM-Aufenthalts begann Mika Tajima mit ihrer fortlaufenden Negative Entropy-Serie, die aus gewebten akustischen Porträts besteht, die als Bilder des Zustands ihrer Produktion dienen; Nachdem der Künstler Industrieräume mit Jacquard-Webstühlen aufgenommen hatte, übersetzte er diese Aufnahmen visuell in Spektrogramme, die dann auf einigen dieser Webstühle in Jacquard-gewebte Designs umgewandelt wurden. In einer Arbeit, die vor seinem Aufenthalt am FWM entstanden ist, präsentiert Robert Morris‘ Box with the Sound of Its Own Making (1961) eine gewöhnliche Holzkiste, die eine Aufzeichnung ihrer eigenen Konstruktion aussendet, komplett mit Sägen und Hämmern sowie Pausen und Geräuschen Aktivität, die traditionell weniger mit Fortschritt verbunden ist.

Lenka Claytons fortlaufende Serie „Typewriter Drawing“ erforscht sowohl Kakophonie als auch Abwesenheit durch das Setzen von Markierungen. Phillip Andrew Lewis und Kevin Cooleys „Harmony of the Spheres“ vereint Performance und Relikt. Ihre Zerstörung von eintausend stummen Schallplatten inspirierte zahlreiche Werke, darunter eine endgültige Ausgabe von einhundert LP-Schallplatten, die vollständig aus den Ruinen hergestellt wurden. Beim erneuten Pressen sind auf den neuen Vinyls, die den Besuchern zum Anhören zur Verfügung stehen, die Geräusche der brummenden Fabrik zu lesen, die die stumme Schallplatte presst, sowie die Geräusche der anfänglichen Zerstörung der Schallplatten, wenn sie gegen die Wand geworfen werden.

Die Ausstellung erforscht auch Kommunikation in ihren vielfältigen Formen: Ann Hamiltons 1993 erschienene Kragenarbeit „Untitled“ untersucht die Beziehung zwischen Körper und Sprache anhand eines aus Rosshaar gewebten Alphabets. Über ein Dutzend Ausgaben von Kiki Smiths Singing Siren, einem mit FWM erstellten Künstler-Multiple, bilden einen Chor mythologischer Kreaturen, deren Gesang gleichzeitig verführerisch und tödlich ist. Ein Prototyp aus Janine Antonis und Stephen Petronios Werk „Swallow“ aus dem Jahr 2016 bietet maßgeschneiderte Sitzgelegenheiten, die Verbindung und Dialog fördern.

Eine aus zwei Filmen bestehende Arbeit von Christine Sun Kim und Thomas Mader setzt den Fokus der Ausstellung auf Klang und Kommunikation fort. In „Tables and Windows“ verflechten die Künstler ihre Körper ähnlich wie bei einem kollaborativen Improvisationsspiel und arbeiten zusammen, um ihre unterschiedlichen Fähigkeiten als Muttersprachler der amerikanischen Gebärdensprache (ASL) und als ASL-Lerner auszuhandeln. Eine weitere Leiharbeit blickt über die menschliche Kommunikation hinaus. Die skulpturale Installation „Music for Plants, by Plants“ des Philadelphia-Künstlers Raúl Romero vereint Lautsprecher, Skulptur und eine Hörstation, um die Rolle der Pflanze der Skulptur als Empfänger oder Erzeuger von Unterschallfrequenzen zu untersuchen. Mit unerwartetem Humor hinterfragen diese Werke die wahrgenommenen Grenzen von Sprache und Klang und laden Besucher ein, gemeinsam mit den Künstlern nach ihrem ungenutzten Potenzial zu suchen.

Zusammengenommen bieten die Werke der 22 Künstler in Sonic Presence zahlreiche Möglichkeiten, wie zeitgenössische Kunst sich sowohl mit Klangvorstellungen auseinandersetzen kann als auch Möglichkeiten für die Erkundung von Brücken zwischen dem Visuellen und dem Akustischen bietet.

Sonic Presence (or Absence): Sound in Contemporary Art wird vom ehemaligen FWM Exhibitions Manager Unkovic organisiert.

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